LOS MEJORES DISCOS DE 2017 (2)

Con cada año nuevo que llega, es tradición compartir con ustedes el listado de los que a mi juicio fueron los mejores discos del año que se terminó. Como siempre, fue muy difícil hacer la selección pues llegó material de gran calidad y buena parte se alcanzó a reseñar y a emitir en el programa de radio. Se quedan algunos por fuera con seguridad pues el 2017 fue un año muy movido, con presencia intermitente en el blog y en las ondas pero, bueno, con lo que tengo a mano les dejo mi selección de los 30 mejores discos del año pasado, aclarando que no están en ningún orden. Esta es la segunda entrega:

Hayes McMullan era un talento desconocido del blues hasta 1967, cuando fue descubierto por el historiador Gayle Dean Wardlow. Sin embargo siguió sin conocerse hasta este año, cuando Wardlow decidió sacar del archivo las cintas grabadas hace 50 años y publicar “Everyday Seem Like Murder Here”. McMullan recorrió el Delta del Mississippi en los años 20 y 30, compartiendo escenario con Charley Patton y Willie Brown entre otros artistas, pero abandonó la música luego de que su hermano Tom, también músico y mucho más famoso, fuera envenenado. Para el momento en que fue grabado, Hayes McMullan era pastor de iglesia y activista de los derechos civiles, llevaba 30 años sin cantar blues y por eso llama mucho la atención la fluidez de la guitarra y la frescura de su voz. A lo largo del disco, grabado en la cabaña donde vivía McMullan, hay algunas entrevistas en las que el músico cuenta como era ese entorno en el que se desarrolló su música. Gayle Dean Harlow es recordado en el mundo del blues por haber escrito el libro “Chasin’ The Devil Music” y por haber descubierto el certificado de defunción de Robert Johnson, con el que se resolvieron muchos mitos en torno al famoso músico. Con “Everyday Seem Like Murder Here”, Wardlow nos deja conocer a un artista que habría pasado desapercibido, acertando en aquel dicho que reza que la justicia cojea pero llega.

Robert Randolph nos convenció de que la guitarra pedal-steel podía sonar más allá de la música country. Ahora, con su nuevo disco “Got Soul”, Randolph nos muestra con mucha segurida que el rock puede tener un trasfondo góspel. El quinto disco de Robert Randolph And The Family Band captura de forma instantánea toda la energía del grupo, va a mucha velocidad y no deja respiro, está lleno de de fervor y mucho talento, con una buena sección rítmica, con muchos llamados del órgano que son respondidos por Randolph y su guitarra, llevándose los créditos en la creación de un sonido único, con mucha presencia vocal y con mucho aire de iglesia. “Got Soul” recoge todo lo que es Robert Randolph y su particular aproximación al blues y al rock a partir del góspel, con letras que hablan de amor y unidad, buscando que el oyente borre de su mente las ideas negativas que existan y piense en que hay salidas para la situación actual. “Got Soul” es un álbum muy especial, un disco que combina en buena forma la música de la fiesta del sábado en la noche con la del servicio religioso del domingo en la mañana.

Otis Taylor es un visionario del blues y lo ha demostrado a lo largo de su carrera en la que completa 15 discos publicados, contando el más reciente “Fantasizing About Being Black”, trabajo que es una exploración poética del sufrimiento de los afroamericanos, desde que llegaron como esclavos en los barcos hasta la actualidad. Esta conexión histórica la expone Taylor basándose en las tradiciones musicales del Mississippi y dando un paso adelante en la reinterpretación del blues. A partir del banjo y el violín, los primeros instrumentos que interpretaron los esclavos a su llegada a Estados Unidos, Otis Taylor desarrolla una serie de canciones que hablan de la injusticia racial y de los diferentes tipos de racismo que históricamente han sufrido los afrodescendientes, entregando una interpretación musical que el autor ha denominado “trance blues”. Esa experiencia se acompaña de banjo, guitarra, bajo, violín y trompeta con sonidos sicodélicos y la crudeza de John Lee Hooker, generando un gran impacto emocional e intelectual.

A Valerie June la conocimos en 2013 gracias a su disco debut “Pushing Agaisnt The Stone”, disco que atrajo las miradas del mundo musical y le abrió las puertas para, por ejemplo, dejar de vender grabaciones caseras en su carro a ser telonera de The Rolling Stones. Todo fue cuestión de tiempo, algo que ocurrió y había que aprovechar. “The Order Of Time”, su nuevo álbum, habla de eso y pone a las canciones a jugar con las cosas que van pasando en el tiempo, las experiencias y emociones que dejan, porque son situaciones que van a estar ahí listas para destaparse en el momento adecuado. La docena de temas de esta producción son meditaciones y reflexiones de toda una vida, ancladas a lo terreno gracias a la voz de Valerie June y a su guitarra, que se acomodan muy bien al sonido de los años 60 sin necesidad de llegar a la teatralidad. “The Order Of Time” sigue la progresión natural de Valerie June y su estilo, mezcla de folk, soul sureño y country blues, que se va añejando para ser mejor con el paso del tiempo.
Tedeschi Trucks Band es la mejor jam-band que hay en la actualidad. Doce músicos que se conocen perfectamente y trabajan de forma mancomunada para un objetivo que se ve cumplido en “Live From The Fox Oakland”, segundo disco en vivo de la agrupación y el primero que cuenta con edición en video. Tedeschi Trucks Band ofreció, en septiembre del año pasado, dos conciertos en el Fox de Oakland, los cuales fueron filmados y grabados para hacer una selección de los mejores momentos de ambas presentaciones para darle forma al álbum. Sin embargo, Derek Trucks, líder de la banda junto con su esposa Susan Tedeschi, decidió utilizar únicamente el registro de la noche del 9 de septiembre para el disco, debido a la especial atmósfera que se vivió a lo largo del concierto, lo cual es muy notorio en el disco, pues se siente realmente la fluidez natural de la música, del sentimiento del público, con una mezcla que permite escuchar no solo el slide de Trucks y la voz de Tedeschi sino el trabajo de toda la banda como el caso de sus dos bateristas Tyler Greenwell y J.J. Johnson, o los vientos de Kebbi Williams, Elizabeth Lea y Ephraim Owens. “Live From The Fox Oakland” es un disco de alto nivel que da cuenta del momento por el que pasan Derek Trucks, Susan Tedeschi y su banda.
En 2012, cuando la revolución Tuareg se levantó en Malí, Kidal fue la capital de Azawad, ese territorio rebelde que un año más tarde fue tomado por Al-Qaeda y después retomada por los ejércitos de Malí y de Francia. En Kidal se formó y desarrolló Tamikrest, banda que después de 11 años de trabajo presenta su cuarta producción, “Kidal”, un homenaje a esa ciudad que espera por su libertad. Tamikrest puede ser un rival directo de la reconocida agrupación Tinariwen, aunque hacen parte de la misma familia, heredera del blues del desierto de Alí Farka Touré. Aunque “Kidal” pueda sonar con todos los clichés de la música Tuareg, especialmente ese ritmo que parece por momentos a paso de camello, es un álbum placentero que muestra una evolución sonora de Tamikrest, con voces más profundas, relajadas y reflexivas, aventurándose a utilizar el slide en algunas canciones, recordando a aquellas reuniones de Alí Farka Touré con Ry Cooder. “Kidal” es un disco cargado de política, es un álbum que proclama la identidad y la libertad de un pueblo gobernado por dos poderes por los que no se siente representado. “El desierto es nuestro pero hay personas que lo consideran un mercado para las multinacionales. Esto es una amenaza para los pueblos nómadas”, dice Ousmane Ag Mossa, líder de Tamikrest. “Kidal” es la representación de la dignidad.

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